Ha sido un excelente año 2010 aquí en Desde Mi iPod.
La sola creación de un blog dedicado por entero a la música fue un paso que quise dar desde hace bastante tiempo. Ya materializado, estoy complacido con los resultados que ha logrado: Sus primeras 50 entradas y las más de 6000 visitas que ha recibido (más de 3400 visitantes desde 65 países distintos). Agradezco profundamente a todas las personas que con un click han llegado a esta plaza, especialmente a quienes han dejado sus comentarios.
A continuación un listado de las 50 entradas publicadas durante el 2010, en orden cronológico:
Para el 2011 el compromiso es continuar la labor iniciada durante este año y seguir publicando, siempre sobre música y sobre músicos, siempre sobre una variedad de géneros y latitudes; siempre de manera independiente; y siempre sobre la música que suena Desde Mi iPod.
Video del primer movimiento de la Sinfonía interpretado por la orquesta neoyorkina The Knights, bajo la dirección de Eric Jacobsen (www.youtube.com).
Sinfonía N° 6 en fa mayor (Pastoral):
La Sinfonía n.º 6 en fa mayor, Opus 68 "Pastoral" fue terminada por Ludwig van Beethoven en 1808. Es una de las pocas obras de música programática de Beethoven, y el compositor la subtituló Recuerdos de la vida campestre.
Beethoven fue un amante de la Naturaleza, tanto así que pasaba gran parte de su tiempo caminando por el campo. Frecuentemente abandonaba Viena para trabajar en localidades rurales. No fue, sin embargo, el primer compositor en describir sinfónicamente la Naturaleza: por ejemplo, en su oratorio Las Estaciones, estrenado en 1802, Franz Joseph Haydn similarmente pintó el amor por la Naturaleza, campesinos bailando, una tormenta, pájaros cantando, y otros similares.
Anteriormente, durante el Barroco francés e italiano, se compusieron piezas que pretendían imitar a la Naturaleza, aspiración muy propia de la Ilustración. El veneciano Antonio Vivaldi había compuesto sus celebérrimos Conciertos para violín Opus 8, Las cuatro estaciones, genial pintura de la naturaleza, con tormentas, cantos de aves, moscardones, etc.
Beethoven optó por componer una sinfonía, y así escapó del carácter sobre-literal que un libreto -en el caso de componer una cantata o un oratorio- hubiese impuesto. Como dijo el compositor, la Sexta Sinfonía es «más expresión de sentimientos que pintura de sonidos», y el mismo punto se ofrece en el título que colocó en el primer movimiento.
La Sexta Sinfonía fue compuesta simultáneamente con la más famosa de Beethoven —y la más potente— Quinta Sinfonía. Fue estrenada junto a ésta en un exageradamente largo concierto en el Theater an der Wien de Viena, el 22 de diciembre de 1808. Fue recibida fríamente, sobre todo debido a su más brillante contraparte, la Quinta. Si bien la Sexta contiene algunos de los pasajes más hermosos del músico de Bonn, la gente deseaba otra obra cargada y aventurera, y la obra relativamente calmada e introspectiva no fue muy de su agrado.
A pesar de su estreno poco auspicioso, la obra se ha convertido poco a poco en una de las obras centrales del repertorio sinfónico. Es la favorita de muchos oyentes y es muy frecuentemente interpretada y grabada en la actualidad.
La obra dura alrededor de 40 minutos. Rompió con el molde clásico al tener cinco movimientos, en lugar de los cuatro típicos. Los movimientos son:
Erwachen heiterer Empfindungen bei der Ankunft auf dem Lande («Despertar de alegres sentimientos con la llegada al campo»): Allegro ma non troppo.
Szene am Bach («Escena junto al arroyo»): Andante molto mosso.
Lustiges Zusammensein der Landleute («Alegre reunión de campesinos»): Allegro.
Hirtengesang. Frohe und dankbare Gefühle nach dem Sturm («Himno de los pastores. Alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta»): Allegretto.
Beethoven adapta su programa descriptivo a la forma sinfónica clásica habitual, insertando después del scherzo (III movimiento) un movimiento adicional (Tormenta), que preludia el final. En el final del andante (escena junto al arroyo), la flauta, el oboe y el clarinete se aúnan armoniosamente en la imitación de los cantos del ruiseñor, la codorniz y el cuclillo (compases 129 a 136 del Andante molto mosso). El propio compositor advierte que estas descripciones no deben tomarse de una manera demasiado literal, él las clasifica de expresión de sentimiento, antes que de descripción.
Sólamente el primer movimiento se acomoda a la forma sonata. El tercer movimiento responde a la forma Scherzo- Trío, modificada. Esta sección se enlaza sin pausa con los dos últimos movimientos, práctica que Beethoven solamente empleó en esta obra y en la Quinta Sinfonía. Felix Mendelssohn (Sinfonía de la Reforma) y Robert Schumann (Cuarta Sinfonía) retomaron este procedimiento décadas después.
La plantilla instrumental de la sinfonía difiere en cada movimiento y aporta escasas modificaciones a las previas obras sinfónicas del maestro alemán. Para los movimientos más líricos (el primero, el segundo y el final), Beethoven especificó una orquesta sinfónica clásica más bien pequeña: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagots, 2 cornos, y una orquesta de cuerdas consistente en los usuales primeros y segundos violines, violas, cellos y contrabajos. Para el tercer movimiento, a ellos se suman 2 trompetas, y para incrementar el efectividad de la tormenta, Beethoven agrega trompetas, 2 trombones, timbales y un flautín (piccolo).
La Sexta significó un paso más en el desarrollo de la música programática, que desembocaría por último en la aparición del poema sinfónico por Franz Liszt. Este proceso culminaría a finales del siglo XIX en los extraordinarios poemas sinfónicos de Richard Strauss y en sus sinfonías programáticas, especialmente en la estruendosa y lírica a la vez Sinfonía Alpina.
Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Originalmente llamada Warsaw, la banda estuvo formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados), Peter Hook (bajo y coros) y Stephen Morris (batería y percusión).
Joy Division rápidamente evolucionó de sus influencias punk rock iniciales, (de acuerdo con el crítico musical Jon Savage "no era punk pero estaba directamente inspirada por su energía") para posteriormente desarrollar un sonido y un estilo que fue pionero del movimiento post-punk, del dark y el rock gótico pues no solo poseían un sonido siniestro; sino que sus letras estaban obsesionadas con la desesperación y la muerte, productos de la epilepsia que padecía su vocalista Ian Curtis.
Su EP debut, An Ideal for Living, atrajo la atención de Tony Wilson, una personalidad de la televisión de Manchester. El álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures, fue lanzado en sello discográfico de Wilson, Factory Records, y provocó la aclamación de la crítica británica. A pesar del creciente éxito de la banda, el vocalista Ian Curtis fue afectado por la depresión y por problemas personales, incluyendo la disolución de su matrimonio y sus agudas crisis de epilepsia. Curtis encontraba cada vez más difícil presentarse en vivo, y a menudo tenía convulsiones durante sus espectáculos.
En mayo de 1980, en la víspera de la primera gira de la banda en Estados Unidos, Ian Curtis abrumado por su depresión, se suicidó ahorcándose en su cocina. Joy Division lanzó póstumamente su segundo álbum, Closer (1980), y el sencillo "Love Will Tear Us Apart" se convirtió en su lanzamiento más exitoso en los rankings. Después de la muerte de Curtis, los miembros restantes de la banda formaron New Order.
A Joy Division les tomó tiempo desarrollar su propio sonido.Como Warsaw, la banda practicaba una "forma inclasificable de hard rock con toques punk". El crítico Simon Reynolds aseguraba que "la originalidad de Joy Division se ponía de manifiesto cuando las canciones se volvían más lentas". La música del grupo adoptó un tono "desparramado"; según Reynolds "el bajo de Peter Hook llevaba la melodía, la guitarra de Bernard Sumner rellenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Stephen Morris parecía rodear el borde de un cráter". Sumner describió el sonido característico de la banda en 1994: "Salió de forma natural, yo más con el ritmo y Hooky más con la melodía. Él solía tocar fuerte el bajo porque a mi me gustaba el sonido distorsionado de la guitarra, y el amplificador que yo tenía sólo funcionaba con el volumen a tope. Cuando Hooky tocaba suave no podía oírse a sí mismo. Steve tiene su propio estilo de tocar, es diferente a otros baterías". Con el tiempo, Ian Curtis empezó a cantar con voz suave de barítono, a menudo comparable a la de Jim Morrison de The Doors, una de las bandas preferidas de Curtis.
Sumner ejercía como jefe musical no oficial de la banda, como después en New Order. Mientras que Sumner era el guitarrista principal, Curtis sólo tocó la guitarra en unas pocas grabaciones y conciertos. Curtis odiaba tocarla, pero los otros insistían en que lo hiciera. Sumner dijo:"tocaba de una forma estrambótica pero era lo que nos gustaba, porque nadie más que Ian tocaba de aquella manera". Durante la grabación de Closer , Sumner empezó a utilizar sintetizadores hechos por él mismo y Hook usaba un bajo de seis cuerdas para reforzar la melodía.
El productor Martin Hannett se "dedicó a capturar e intensificar el halo tétrico de Joy Division". Hannett creía que el punk rock era sonoramente conservador por su rechazo a utilizar tecnologías de estudio para crear espacio sonoro. El productor se propuso crear un sonido más desarrollado para los discos del grupo. Hannett decía: "(Joy Division) Eran un regalo para un productor, porque no seguían directrices, ni argumentos". Hannett separó y limpió desde su mesa los sonidos de los diferentes instrumentos, incluso las distintas partes de la batería de Morris.
A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".
La evolución musical de Joy Division durante los pocos años que duró la banda, aunque paralela a la de otros grupos contemporáneos (The Fall, Magazine, etc.) es clave para entender lo que sucedería durante los años ochenta. Pasaron del punk al post-punk y, ya en Closer a un proto-tecno que podemos reconocer luego en bandas como Depeche Mode, Human League, y otras. La segunda mitad de "Decades", el último tema de "Closer", entierra definitivamente toda relación con el punk y anticipa el sonido de New Order.
Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors. Bono, el cantante de U2 ha dejado claro que su grupo siente veneración por Joy Division. En su autobiografía de 2006, U2 by U2 cuenta que "sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que el de Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron como la nube más negra que puedas encontrar en el cielo. Percibí esa búsqueda de un Dios, ó luz, ó una razón de ser. Notas que para él la belleza era verdad y la verdad, belleza y lo suyo era buscar ambas". Artistas como Moby ó John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers han declarado su estima por la música de Joy Division y la influencia que ha tenido en su trabajo. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.
Sin duda una de las historias más románticas y mejor contadas del cine.
En esta entrada:
Sobre las películas.
Sobre la banda sonora.
Video de la canción Living Life de Cathy McCarty.
Sobre Before Sunrise – Before Sunset:
La historia de Jesse y Celine (interpretados por Ethan Hawk y Julie Delpy) comienza en un tren que va de Budapest a Viena. La joven pareja (americano él y francesa ella) se conoce por una casualidad en dicho tren. Jesse descenderá en Viena, mientras que Celine tiene previsto hacer su parada en la ciudad de Paris. Sin embargo Jesse, cuyo vuelo de retorno a Estados Unidos saldrá a la mañana siguiente desde la capital austriaca, logra convencer a Céline para que pase una noche con él. En el curso de esa noche, se conocen a fondo mientras recorren la ciudad. Al día siguiente deben separarse, pero en el último momento, mientras Céline se apresta a abordar el tren, deciden reencontrarse en el mismo lugar (la estación de Viena), a la misma hora, seis meses más tarde.
Nueve años más tarde, Jesse se ha convertido en un escritor exitoso y Celine en un ecologista militante. Mientras que Jesse responde a una entrevista y firma dedicatorias en una librería anglófona de París, Celine aparece. Deciden caminar un poco por las calles de París. En nueve años, muchas cosas han pasado, Jesse se ha casado y ahora es padre. Celine trabaja como responsable de proyectos humanitarios por la India, aunque está afincada en París, donde tiene un novio. Detrás de esta apariencia de éxito, Jesse y Celine van a revelar poco a poco sus debilidades.
Ambas películas, especialmente bien escritas y dirigidas, muestran el romance en su faceta más natural y profunda. De la primera (Before Sunrise) se destaca el excelente uso de los silencios en los diálogos, que dicen tanto o más que las palabras. De la secuela (Before Sunset) se destaca la evolución de los personajes a través de los nueve años que transcurren entre una y otra película, las largas tomas (de hasta 11 minutos), así como ser narrada en tiempo real.
Banda Sonora:
Before Sunset and Before Sunrise, la banda sonora que agrupa a ambas películas, fue lanzada en el año 2004 junto, claro está, con la última de ellas. El álbum recoge la enorme carga sentimental de los filmes; con temas que evocan alegría y melancolía en igual medida.
Lista de Temas:
Je T’aime Tant – Julie Delpy
Living Life – Cathy McCarty
A Waltz For A Night – Julie Delpy
Andante [Johan Sebastian Bach (BWV 1027)] – Laurence Dreyfus y Ketil Haugsand
Dido And Æneas Overture (Purcell) - The Scholars Baroque Ensemble
An Ocean Apart – Julie Delpy
Come Here – Kath Bloom
Varianto 250 [Johan Sebastian Bach (BWV 988)] - Igor Kipnis
The Shins es una banda estadounidense de indie rock formada en 1997 en Albuquerque, Nuevo México por el compositor, guitarrista y letrista James Mercer, el teclista Martin Crandall, el baterista Jesse Sandoval, y el bajista Dave Hernández, bajo el sello discográfico Sub Pop.
Antes de que la banda fuera llamada "The Shins", se llamaban "Flake", luego "Flake Music". Lanzaron un álbum con el nombre Flake Music, después dejaron la banda y los miembros formaron The Shins.
The Shins comenzó en 1997 en Albuquerque, Nuevo México, como un proyecto paralelo de Marcer y Neal Langford, ambos miembros de la banda de Lo-Fi Flake, formada en 1992. En 1999, Flake (ahora llamado Flake Music) se desintegró y los miembros formaron The Shins. El nombre estaba basado en la familia ficticia en el show de Broadway, "The Music Man", el favorito del padre de Mercer. Poco después, la banda lanzó 2 sencillos en Omnibus Records, "Nature Bears a Vacuum" en 1999 y "When I Goose-Step" en 2000, y se embarcaron en una gira con Modest Mouse. En la gira, las dos bandas se conocieron en San Francisco por un representante de Sub Pop, quien finalmente les ofreció el lanzamiento de su álbum debut.
El primer álbum de The Shins fue el lanzamiento de 2001, "Oh, Inverted World", el cual tuvo buenas aclamaciones por parte de la crítica por la letra de las canciones y su sonido Pop Rock. Canciones de este álbum fueron incluidas en la película Garden State, exponiendo la música de The Shins a una audiencia más amplia. Dave Hernández, miembro anterior de Sacred of Chaka, se unió al grupo después de la salida del bajista Neal Langford. En 2002, la banda se fue a Portland, Oregón.
"Chutes Too Narrow" fue su siguiente álbum siendo lanzado en 2003, el cual representó muchos fans del círculo del Indie Rock, con letra mucho más variada, así como una aproximación musical que aprovechó nuevos géneros, estructuras de canciones, y niveles de fidelidad en la producción. Dicho álbum ha sido confirmado como uno de los álbumes más vendidos de la disquera Sub Pop, vendiendo más de 393,000 copias hasta la fecha.
El tercer álbum de la banda, "Wincing the Night Away", fue lanzado el 23 de enero de 2007, debutó en la posición #2 de Billboard 200 con más de 118,000 copias vendidas en la primera semana de lanzamiento, la mayor cantidad de ventas que un grupo de Sub Pop ha conseguido jamás, obteniendo las posiciones más altas de un artista de dicho sello en su historia. El álbum fue lanzado al Internet el 20 de octubre de 2006 y estaba disponible para pre-ordenarlo con una canción extra en iTunes.
El 6 de julio de 2006, The Shins tocaron en un show en Hollywod Bowl en Los Ángeles, California, junto con la banda Belle & Sebastian. Ambas bandas describieron el haber tocado ahí como un logro en sus carreras. Durante los shows en vivo, los miembros de la banda (especialmente Crandal y Hernández) frecuentemente intercambiaban instrumentos.
En una entrevista con Pitchfork Media, Mercer anunció que Eric Johnson de Fruit Bats ahora era parte de The Shins. En la entrevista Mercer habló sobre querer trabajar con gente diferente, lo que hizo que el contrato que firmó Johnson lo hizo un colaborador de la banda y no solamente un integrante que va de gira con ellos.
Discografía:
When You Land Here, It's Time to Return (como Flake Musik) (1997).
Video de la canción A Pessimist Is Never Disappointed (www.youtube.com).
Bio:
theaudience fue una banda de indie rock y rock alternativo activo durante la década de los 90’s, integrado por Billy Reeves (guitarra), Sophie Ellis-Bextor (voz), Kerin Smith (bajo) y Patric “Patch” Hannan (batería). Lanzaron un único álbum homónimo que logró incorporar tres sencillos a las listas de éxitos del Reino Unido.
La banda fue fundada por el guitarrista Billy Reeves, quien anteriormente tocaba en una banda de indie rock llamada Congregation. theaudience alcanzó un éxito moderado gracias a su sonido de estilo new wave. Reeves abandonó la banda en 1998 lo que conllevó al rompimiento de la banda poco después. Aunque su único álbum fue apreciado por la crítica no obtuvo el éxito de ventas esperado, siendo descontinuado. Al momento de su separación su segundo álbum, Quiet Storm, ya había sido grabado y editado, siendo lanzado en 2010 a través de Internet.
En la actualidad Sophie Ellis-Bextor tiene una sólida carrera como cantante de música pop y dance. Billy Reeves y Kerin Smith tocan juntos en una banda de indie pop llamada Friends of the Bride. Patric Hannan fue miembro de The Sundays.
Video: 5to. Movimiento de la Sinfonía Fantástica, interpretado por la Orquesta Sinfónica NHK (Tokyo, Japón), dirigida por Pinchas Steinberg (www.youtube.com).
Héctor Berlioz:
Louis Hector Berlioz ( La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.
Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André, entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera.
Me parece que Héctor Berlioz, con Victor Hugo y Eugène Delacroix, forman la Santísima Trinidad del arte romántico.
En 1830, su Sinfonía Fantástica fue considerada "asombrosa y vívida". En aquel momento la naturaleza autobiográfica de esta obra de música programática (que requería que los oyentes leyeran un folleto con su "argumento" antes del concierto) se consideró con justicia sensacional e innovadora.
En 1830 (el mismo año del debut de la sinfonía) Berlioz ganó el Premio de Roma, la beca más importante del mundo de la música.
Berlioz se fijó e imitó mucho a Beethoven, en aquel tiempo desconocido en Francia. También mostró reverencia a los trabajos de Gluck, Mozart, Étienne Méhul, Carl Maria von Weber y Gaspare Spontini.
En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para saxofón, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.
Symphonie Fantastique:
La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo: el título que Berlioz puso a su obra es Episodio en la vida del artista. El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática. La Sinfonía Fantástica consta de cinco movimientos:
Sueños y Pasiones.
Un Baile.
Escena en el Campo.
La Marcha del Cadalso.
Sueño de una Noche de Aquelarre.
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Por esta razón se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros. El argumento es el siguiente:
Un joven músico desesperado se ha envenenado a sí mismo con opio y en un largo sueño, tiene una serie de visiones y pesadillas, la idea de su amada viniendo una y otra vez a su cabeza. Recuerda las alegrías y depresiones del pasado, antes de que ella entrase en su vida, y luego el neurótico celoso en que se convirtió cuando ella entró en su vida, teniendo el único consuelo de la religión.
El segundo movimiento evoca la música de un baile, en el que con los giros de la danza, vislumbra a su amada otra vez.
El tercer movimiento fue muy difícil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el héroe. El otro pastorcillo toca su flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompañado de un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.
El cuarto movimiento Marcha al Cadalso (Marche au supplice): Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.
El movimiento final es un aquelarre, una salvaje orgía de una celebración demoníaca. La imagen de la amada parece ahora una agudísima burla. Las campanas de la muerte se oyen por encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza. La música de las campanas de la muerte en este movimiento ha sido utilizada por Wendy Carlos en las bandas sonoras de La Naranja Mecánica y El Resplandor, ambas películas dirigidas por Stanley Kubrick.
The Prodigy es un grupo inglés de música electrónica, formado por Liam Howlett (compositor/teclados), Keith Flint (vocalista/bailarín), y Maxim (MC/vocalista). Leeroy Thornhill (bailarín) también fue miembro de la banda desde 1990 hasta el año 2000. Una vocalista y bailarina llamada Sharky también se asoció brevemente con la banda en sus comienzos, esta bailarina actuó con ellos en varios bares nocturnos de estilo electrónico. Era breakers junto con los otros bailarines . The Prodigy disfrutó de su gran golpe de publicidad al ser pioneros en el movimiento de la música electrónica conocida como "rave". Desde entonces han adquirido una inmensa popularidad y renombre mundial. Algunas de sus canciones más populares son "Charly", "Out of Space", "Smack My Bitch Up", "No Good (Start the Dance)", "Breathe", "Voodoo People", "Everybody in the place", "Take me to the hospital" y "Firestarter".
The Prodigy han ido desarrollando varios estilos a lo largo de los tiempos, en sus inicios como pioneros de la música rave subversiva, y actualmente, como compositores de canciones tecno con elementos punk en sus voces.
Formado en Essex, Inglaterra, comenzó su vida inicialmente con un demo de 10 canciones de Liam Howlett, que introdujo completo en un teclado secuenciador Roland W-30. XL Recordings tomó el demo y un álbum inicial de 12" llamado What Evil Lurks que fue editado a principios de 1991. El nombre de la banda se piensa que fue tomado del teclado Moog Prodigy (creado por Robert Moog).
La primera actuación de la banda fue en el Four Aces en Hackney, Londres. Charly, salió a la venta seis meses más tarde, y fue un éxito rotundo en la escena rave británica del momento, catapultando, por primera vez, a la banda a una mayor cantidad de público. Algunos críticos llegaron tarde al identificar la publicación de Charly, con su memorable sample de un anuncio informativo de la televisión gubernamental dirigido a los niños (Charley Says), como la canción que instigó la destrucción final de la escena rave underground, abriendo la puerta a una riada de canciones rave que muchos de los devotos del género consideraban de inferior calidad, como sería el tema de Urban Hype Trip to Trumpton o el de Smart E Sesame's Treet. Tras Charly, llegó muy pronto el primer álbum de larga duración de la banda, Experience, ampliamente valorado como uno de los mejores ejemplos del género rave jamás producido.
En 1994, el segundo álbum de The Prodigy, llamado Music For The Jilted Generation, mostró un aspecto más amplio de estilo musical. Tonos de pista de baile pesados abundaron, pero fueron complementados con más pistas inusuales como la canción de concepto The Narcotic Suite, e inclinaciones orientadas por el rock (Their Law, con Pop Will Eat Itself). El álbum fue nominado a un Mercury Music Prize. Sin embargo, en el fondo, Howlett reafirmó su dedicación a la escena de la música rave.
El tercer álbum de The Prodigy, The Fat of the Land, salió en 1997. Como sus predecesores, el álbum representó un hito del desarrollo de la banda y la amplia corriente dominante de la escena dance. Con melodías simplificadas, sampleado esparcido, y más voces sarcásticas con toque de punk, el álbum, sin embargo, retuvo los cortes desentonantes de huesos y el estilo susurrante tan idiomático de la banda. El álbum cimentó la posición de la banda como uno de los actos con más éxito internacionalmente en el género del hard dance, entrando en la tabla de éxitos musicales del Reino Unido y Estados Unidos como número uno.
En 2000 Leeroy deja el grupo, y en 2004 Liam Howlett saca otro disco: "Always Outnumbered, Never Outgunned", que no incluye el single "Baby's got a temper" que había salido a la venta un tiempo atrás. Este álbum no cuenta con la participación directa de Keith ni de Maxim, pero evolucionando musicalmente y demostrando que sigue siendo un innovador. El trío sigue de gira por el mundo, apoyado por guitarra y batería, haciendo conciertos de auténtico rock con tintes de punk y bases electrónicas.
Su último álbum a la fecha, Invaders Must Die, durante febrero y marzo 2008 con la nueva discográfica independiente Take Me to the Hospital. El álbum fue distribuido por Cooking Vinyl. Es el primer álbum de estudio lanzado por la banda desde Always Outnumbered, Never Outgunned y es el primer álbum de Prodigy que incluye a los tres miembros de la banda desde The Fat of the Land de 1997.
Video de la canción Can’t Believe a Single Word (www.roxwell.com).
VHS or Beta es una banda originaria de Lousville, Kentucky, que combina elementos de rock alternativo, indie rock y dance-punk. Su primer EP, Le Funk, alcanzó un éxito leve en los charts; pero no fue sino hasta el lanzamiento de su segundo álbum, Night On Fire (2004), que la banda se volvió más conocida. En 2005 reeditaron Le Funk incorporando nuevos temas al anterior EP. En 2007, luego de una gira de dos años y medio, la banda se muda a Ashevile, Carolina del Norte para grabar su tercer álbum, Bring On The Comets, el cual marcó un significativo cambio de dirección musical orientándose hacia un sonido más puramente pop, pero sin sacrificar su estilo dance.
Los miembros de la banda son: Craig Pfunder (guitarra y voz), Mark Palgy (bajo), y Mark Guidry (batería). Chea Beckly ha colaborado con la banda en los teclados desde el año 2000, reemplazando a Jerome Miller (1998-2000). Mike McGill fue enlistado como guitarrista en gira luego que Zeke Buck abandonara la banda en 2006.
En 2008, VHS or Beta anunció que pronto lanzarían material nuevo. Lanzaron un sencillo, Fell In When You Know It a finales de octubre de 2009; seguido de All Summer In A Day. Ambos sencillos fueron lanzados por su propia disquera, Chromosome Records.
Video de la canción Click, Click, Click, Click (www.youtube.com)
Bio:
Bishop Allen es una banda de indie rock proveniente de Brooklyn, New York. Los miembros centrales de la banda son Justin Rice y Christian Rudder, quienes son apoyados tanto en tarima como en estudio por una extensa rotación de músicos colaboradores. La banda fue formada en el año 2003 y toma su nombre de Bishop Allen Drive en Cambridge, Massachusetts, donde Rice y Rudder residieron mientras cursaban estudios en la Universidad de Harvard. Hasta la fecha, Bishop Allen ha lanzado tres álbumes y doce EPs.
Mientras asistían a la Universidad de Harvard, Rice y Rudder animaban un programa de radial indie y punk en la emisora WHRB de Massachusetts llamado Record Hospital. Luego formaron una banda de hardcore punk que llevó por nombre The Pissed Officers (Los Oficiales Molestos) y lanzaron dos álbumes en colaboración con otra banda de Boston, Gerty Farish. Algunos años más tarde se residenciaron en Virginia donde grabaron los temas de su primer álbum como Bishop Allen.
Su álbum debut, Charm School, se caracteriza por haber sido grabado a lo largo de dos años, en los que el dúo escribió y grabó en sus ratos libres. Rice y Rudder grabaron todos los instrumentos de los trece temas que componen el álbum, utilizando loops de batería pues ninguno de ellos domina ese instrumento. Casi todo el álbum fue grabado canción a canción en un dormitorio. Las voces de Bonnie Schiff-Glenn y Kate Dollenmayer, así como baterías suplementarias de Coll Anderson fueron añadidas posteriormente completándose así el álbum.
En el año 2006, Bishop Allen grabó y lanzó un EP cada mes, titulándose cada uno de acuerdo al mes respectivo (Enero, Febrero, etc.). Con la excepción de Agosto, que incluye catorce temas grabados en vivo, cada uno de los EPs incluía cuatro nuevas canciones de estudio.
En noviembre de 2006 firman contrato con Dead Oceans. En enero de 2007 comenzaron a grabar un nuevo álbum en los estudios Blackwatch en Norman, Oklahoma. El resultado, Bishop Allen & The Broken String, fue lanzado a finales de julio de 2007, siendo el primer álbum de la banda completamente grabado en estudio. El álbum incluye nueve de los temas que aparecieron previamente en el Proyecto EP, además de tres canciones nuevas.
En marzo de 2009 lanzaron su tercer álbum (y último hasta la fecha), Grrr…
Video de la canción Teardrop (Massive Attack cover) (www.youtube.com).
José González es un cantautor de música folk nacido en Suecia y de ascendencia argentina.
Nació en un suburbio cercano a Gotemburgo (Suecia). Sus padres se mudaron de Argentina a Suecia en el año 1976. González creció escuchando música folk y pop latinoamericano, y ha señalado como su cantante favorito al cubano Silvio Rodríguez.
La primera banda de la que formó parte se llamó Back Against The Wall, una agrupación de hardcore punk influenciada principalmente por Black Flag, The Misfits y Dead Kennedys. Luego tocó el bajo en otra banda hardcore llamada Renascence, desde 1993 hasta 1998. También durante 1997 y 1998 tocó la guitarra para la banda de rock Only if You Call Me Jonathan.
En el año 2003 lanzó en Europa su álbum debut como solista, Veneer; que tuvo que esperar hasta el 2005 para ser lanzado en el Reino Unido y en Estados Unidos. El álbum fue grabado mientras José González cursaba un PhD en bioquímica en la Universidad de Gotemburgo.
Su marca personal lo constituyen la guitarra acústica que acompaña únicamente con su voz. Aunque su obra es en su mayoría temas originales, ha grabado también versiones de canciones de otras bandas, de las que se destacan Heartbeats (The Knife) y Teardrop (Massive Attack).
Su segundo álbum, In Our Nature fue lanzado internacionalmente en septiembre del año 2007. Las letras de las canciones fueron en parte influenciadas por los libros The God Delusion (El Espejismo de Dios) del biólogo evolucionista Richard Dawkins y Practical Ethics (Ética Práctica) de Peter Singer.
José González colabora también en la banda Junip, lanzando a la fecha dos EPs: Black Refuge y Rope and Summit. La banda ha asomado la posibilidad de lanzar un álbum en el año 2010. También ha colaborado con la pareja británica de downtempmo Zero 7 en su álbum The Garden (2006), entre otras colaboraciones.
Discografía:
Álbumes:
Veneer (2003).
In Our Nature (2007).
EPs:
Crosses (2003).
José González & Jens Lekman Split Tour Single (2003).
Remain (2004).
Stay In The Shade (2004).
Australian Tour (2005).
B-Sides Collected (2006).
3 EP Collection (2007).
José González & Promise and the Monster Split Tour Single (2007).
Casi sería una falta de respeto pretender recoger en una sola entrada la vida y obra de Wolfgang Amadeus Mozart, con creces el más grande compositor de todos los tiempos. De entre las numerosas entradas que escribiré sobre su obra, me ocuparé en esta oportunidad de la Serenata N° 13 para cuerdas en Sol Mayor, mejor conocida como “Pequeña Serenata Nocturna” (Eine Kleine Nachtmusik, KV 525), quizás la más reconocida de sus composiciones.
Video del Primer Movimiento “Allegro”, interpretado por el ensamble francés Les Dissonances (www.youtube.com).
Eine Kleine Nachtmusik:
La Serenata N° 13 para cuerdas en Sol Mayor, más conocida como Eine Kleine Nachtmusik ('Una pequeña tonada nocturna', 'Una pequeña serenata' o 'Pequeña serenata nocturna'), K. 525, es una de las composiciones más populares de Wolfgang Amadeus Mozart. Está fechada en Viena el 10 de agosto de 1787, coincidiendo con la composición de la ópera Don Giovanni. Sin embargo, no se sabe para quién o por qué Mozart la compuso.
Originariamente escrita en siete movimientos, se han conservado cinco. Su instrumentación es la habitual de un conjunto de cámara: dos violines, viola, chelo y un contrabajo opcional.
Movimientos:
Allegro:
Este primer movimiento es un Allegro en forma de sonata, el cual asciende agresivamente. El segundo tema es más gracioso y es en re mayor, el tono dominante de sol mayor. La exposición se cierra en re mayor y es repetida. El desarrollo comienza en re mayor, continúa en do mayor y roza La menor antes que se continúe a sol mayor para la recapitulación (Una repetición de la exposición con ambos temas en el mismo tono). Durante la recapitulación, es en sol mayor con los temas primarios de la exposición. El movimiento termina en sol mayor.
Romance Andante:
El segundo movimiento es un "Romance". El movimiento es en Andante y en contraste y más lento que el primer movimiento. Está en una "forma de sección de rondó" y es similar a la forma rondó de sonata (La-Si-La-Do-La). El primer tema (La) es gracioso y lírico. El segundo (Si) es más rítmico que el primero. El primer tema retorna (La) y es seguido del tercer tema, que es más oscuro que los dos primeros e incluye un toque de Do menor. El primer tema (La) retorna para terminar el movimiento. La tonalidad es do mayor, la cual es la subdominante de sol mayor.
Menuetto Allegretto:
El tercer movimiento es un minueto y trío (La-Si-La) y es más bailable. El movimiento está en el tono principal, el cual es en sol mayor y es bastante rápido, con un tempo de Allegretto. Contiene dos temas, un minueto y un trío. El movimiento comienza con el Minueto (La), luego entra el trío en (Si), y termina con el minueto (La). Termina con la tonalidad principal, sol mayor.
Rondo Allegro:
El cuarto y último movimiento está en forma de rondó de sonata. Es el final de Eine Kleine Nachtmusik y retorna con la viveza del primer movimiento. El movimiento alterna entre dos temas durante la exposición. En el desarrollo entre ambos temas se modula a través de varias tonalidades y termina en sol menor. Los dos temas retornan en la recapitulación y termina en la coda, en el cual el primer tema retorna.
Hipótesis sobre el quinto movimiento:
En su catálogo personal, Mozart incluyó esta obra dispuesta en cinco movimientos; el segundo movimiento en su listado, un minueto y un trío, se pensaba perdido hace mucho. El musicólogo Alfred Einstein ha sugerido, sin embargo, que el minueto en Sonata para Piano en BB, K.498a, es en realidad el movimiento perdido. Se han hecho grabaciones de tal pieza desde entonces, aunque aún no se está seguro de que Alfred Einstein esté en lo correcto.
Silversun Pickups es una banda de rock alternativo formada en Los Angeles, California, en el año 2002. Está formada por Brian Aubert (voz y guitarra), Nikki Monninger (bajos y voz), Christopher Guanlao (batería) y Joe Lester (teclados).
Los miembros de la banda son amigos quienes anteriormente tocaban juntos en bandas separadas. Comenzaron tocando en muchos locales de Los Angeles y comenzaron a obtener un seguimiento masivo con el lanzamiento de su EP debut: Pikul.
La banda inicialmente se llamó A Couple of Couples (literalmente: un par de parejas). Su nombre actual proviene de una licorería y tienda de conveniencia de Los Angeles. Sin embargo, en entrevistas la banda ha dicho que su nombre es más “un estado mental”. Su EP Pikul contó con la colaboración de la cantante y chelista Tanya Haden.
En septiembre del año 2006 fue lanzado su álbum debut, Carnavas. Dos sencillos de este álbum, “Lazy Eye” y “Well Thought Out Twinkles” se ubicaron en el Top 10 de la lista Billboard de Modern Rock Tracks en el año 2007. La banda acompañó a los australianos Wolfmother en una gira de tres semanas en diciembre de 2006, y posteriormente acompañaron a Ok Go y Snow Patrol en una gira de verano que concluyó en abril de 2007. El 27 de abril de ese mismo año, Silversun Pickups se presentó también en el festival californiano Coachella.
También en el 2007, Silversun Pickups estuvo de gira por el Reino Unido e Irlanda. Abrieron para Foo Fighters en Edimburgo (Escocia) y Dublín (Irlanda). También abrieron conciertos de Kaiser Chiefs en la gira europea de esta banda.
En abril de 2009 fue lanzado su segundo álbum “Swoon” el cual recibió críticas positivas, vendiendo más de 250 mil copias hasta la fecha. El primer sencillo de este nuevo álbum fue la canción “Panic Switch”. En diciembre de ese año fue anunciada la nominación de Silversun Pickups a los premios Grammy en la categoría de Best New Artist (Mejor Artista Nuevo). También en el año 2009 acompañaron a Placebo en su gira de invierno en Europa.
En el 2010 la banda acompañó a Muse en una gira por Estados Unidos. Este mismo año han acompañado también a las bandas Against Me!, The Henry Clay People y a los australianos Birds of Tokyo.
