Biophilia, el séptimo álbum de la
cantante islandesaBjörk, es el resultado de un proyecto que estuvo
madurando la artista durante cuatro años, desde el lanzamiento de
Volta, en el año 2007.
Desde el punto de vista personal, es
quizás el álbum que más represente a la cantante pues, a
diferencia de sus anteriores placas discográficas, Biophilia fue
producido casi en su totalidad por Björk, con excepción dos temas:
de Crystalline, coproducida por 16bit, y Sacrifice, coproducida por
Current Value. En este álbum la artista tuvo además una
participación mucho más activa en lo que a composición se refiere,
ya que Björk se sirvió de un iPad para componer ella misma gran
parte de los arpegios y sonidos que conforman los temas.
Como proyecto, excede el ámbito
musical al integrar también la tecnología de las aplicaciones
-apps-, en lo que ha resultado ser el primer “app album” en
colaboración con Apple. Así, cada sencillo viene acompañado
también de una aplicación para iPad, que le permite al público
interactuar con la canción hasta el punto de modificarla por
completo, obteniendo como resultado una nueva versión del tema. De
igual forma, cada aplicación incluye también un videojuego alusivo a la canción, además de la partitura original del sencillo,
animaciones y un ensayo musical. Así, con Biophilia, Björk logró
una integración perfecta de la música como expresión artística, y
la tecnología computacional como herramienta cotidiana del siglo
XXI, permitiéndole al público incorporarse al proceso creativo.
Dejando de lado los irrefutables
méritos que lo anterior de por sí representa, Biophilia es además
un álbum conceptual que describe un viaje cósmico a través de un
universo en el que los fenómenos astrofísicos juegan un papel
protagónico, que la artista ha plasmado en forma de sonidos
ambientales, instrumentos y voz. Todos los temas presentan un nombre
alternativo ligado de alguna manera al fenómeno descrito.
Kristian Matsson (13 de abril de 1983) es un cantautor de música Folk nacido en Dalarna, Suecia; quien se presenta bajo el pseudónimo The Tallest Man On Earth. A pesar de su origen sueco, The Tallest Man On Earth escribe y canta sus canciones en Inglés, acompañadas por la guitarra, el banjo o el violín; instrumentos interpretados por él mismo.
La crítica ha comparado a The Tallest Man On Earth con Bob Dylan, tanto por su habilidad en la composición como en su estilo vocal.
Discografía:
Desde 2006 ha lanzado 2 álbumes y 2 EPs:
Álbumes:
Shallow Grave (2008).
The Wild Hunt (2010).
EPs:
The Tallest Man On Earth (2006).
Sometimes the Blues Is Just a Passing Bird (2010).
Los supergrupos constituyen un ejemplo de lo que podría denominarse esencialismo musical, en los que integrantes claramente definidos con anterioridad -esencia- convergen y crean un sonido nuevo -existencia-.
Broken Social Scene es una de las mejores muestras de lo que es y debe ser un supergrupo.
Broken Social Scene es un colectivo/supergrupo canadiense de indie rock formado en 1999 en Toronto, Canadá.
Los miembros principales de la banda son Kevin Drew y Brendan Canning. Este dueto grabó y lanzó el álbum debut de la banda Feel Good Lost en el 2001, que incluía contribuciones de Justin Peroff, Charles Spearin y Bill Priddle. Sin embargo, cuando tocaron shows para apoyar el disco, Drew y Canning encontraron difícil la tarea de lograr un show entretenido a partir de un álbum instrumental como lo fue Feel Good Lost.
Como resultado, invitaron a varios amigos de la escena indie de Toronto: Andrew Whiteman, Jason Collett, Emily Haines de Metric, Billy 'daggin it' Dagg y Leslie Feist, para sazonar su actuación en vivo con letras y voces. Luego de algún tiempo el grupo incluyó contribuciones de James Shaw, Evan Cranley, Justin Peroff, John Crossingham y Amy Millan de Stars.
El resto de los invitados posteriores se unieron a Drew, Canning, Peroff y Spearin para grabar el segundo álbum de la banda You Forgot It in People en 2002; que fue lanzado originalmente por Paper Bag Records y después por Arts & Crafts, su discográfica hasta la fecha. Este álbum, una colección de canciones pop experimentales, eclécticas y creativas - pero aún así "accesibles" - se convirtió en el éxito comercial de la banda y fue muy aclamado por la crítica. Además, ganó el Juno Award del 2003 por el Álbum Alternativo del Año. En el álbum también colaboraron Priddle, Jessica Moss, Brodie West, Susannah Brady y Ohad Benchetrit, aunque su trabajó se acreditó más bien como músicos invitados que como miembros del grupo. Para la gira que acompañó al disco la banda consisitió en Drew, Canning, Peroff, Whiteman y Jason Colllett, además de cualquier otro que estuviera disponible para acompañarlos en alguna presentación en específico. Amy Millan y Gentleman Reg también se unieron para algunos shows.
Una colección de lados b y remixes, Bee Hives, fue lanzada al mercado en 2003.
Lanzaron su tercer LP, Broken Social Scene el 4 de octubre de 2005, con nuevas contribuciones de k-os, Jason Tait y Murray Lightburn. El librillo del disco también acreditaba a varias nuevas caras como parte de Broken Social Scene. Un EP de edición limitada, To Be You And Me, se imprimió también con el álbum. Fue la primera vez que David Newfeld, quien había producido sus discos, fue enlistado como miembro del grupo.
Se presentaron en los Juno Awards de 2006 con "Ibi Dreams of Pavement" y ganaron nuevamente el premio por Mejor Álbum Alternativo con su disco homónimo.
Discografía:
Álbumes:
Feel Good Lost (2001).
You Forgot It in People (2002).
Bee Hives(2004).
Broken Social Scene (2005).
Broken Social Scene Presents Kevin Drew - Spirit If... (2007).
Broken Social Scene Presents Brendan Canning - Something For All Of Us... (2008).
Forgiveness Rock Record - (2010).
EPs:
Live at Radio Aligre FM in Paris (2004).
EP To Be You and Me (2005).
Broken Social Scene: 2006/08/06 Lollapalooza, Chicago, IL (2006, exclusivo de iTunes)].
A mi juicio, Blind Melon es una de las mejores y más subestimadas bandas de la década de los 90's. Su estilo único logró a un mismo tiempo ser claramente identificable con aquella década y trascender las barreras generacionales, al punto de poder ser escuchado veinte años después como recién salido del estudio de grabación (no me refiero aquí a su más reciente material).
Blind Melon es una banda de rock formada en 1989 en el estado de California. Su actividad se extendió desde 1989 hasta 1995, año de la muerte de su vocalista, Shannon Hoon, aunque fue reformada en 2006 al ser sustituido Hoon por Travis Warren, ex-miembro de Rain fur Rent.
La banda se formó en 1989 en la ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.
Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.
En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.
Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".
La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien el 21 de octubre de 1995, en Nueva Orleans, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína, horas antes de una presentación en dicha ciudad. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.
Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó oficialmente el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.
La muerte del cantante y el correr de los años, han hecho que Blind Melon pasara a ser una banda de culto, haciendo que el público revalorizara su música con mayor intensidad, debido a su gran legado, que trajó los sentimentos musicales caraterísticos de los años '60 y '70, pero llevados a la modernidad, y así como el movimiento Grunge, las canciones del grupo fueron toda una voz para la furiosa "Generación X".
En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.
El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island. For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.
En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon. En noviembre de ese año la banda anunció la salida de Warren, por razones no oficiales: mientras Warren adujo que le habían expulsado de la banda tras perder la voz a causa de la gran cantidad de conciertos que dio, el resto de miembros apuntó a la irresponsabilidad y a la falta de comunicación con el resto como los detonantes de la marcha del vocalista, añadiendo que había sido una decisión del propio cantante. A fines de 2010 y comienzos de 2011, la banda se vuelve a juntar para dar una serie de conciertos por Estados Unidos.
Nicholas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974), más conocido como Nick Drake, fue un cantautor y músico inglés, nacido en Birmania, conocido por sus canciones acústicas y otoñales. A pesar de que tuvo poco éxito comercial durante su vida, su trabajo es muy apreciado en la actualidad por los críticos y por otros músicos.
El instrumento principal de Drake era la guitarra, pero también sabía tocar el piano, el clarinete y el saxofón. Drake firmó un contrato con Island Records cuando tenía 20 años, y durante 1969 editó su primer álbum, Five Leaves Left. Antes de su muerte, Drake editó otros dos LPs, aunque inicialmente ninguno vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake rehusaba realizar presentaciones en vivo y ser entrevistado. Drake luchó contra la depresión y el insomnio durante su vida, lo cual se reflejó en sus letras. Tras completar su tercer álbum, Pink Moon (editado en 1972), dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire.
Nick Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical. Murió el 25 de noviembre de 1974 a los 26 años, como resultado de una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para poder dormir. Se ha especulado ampliamente sobre si su muerte fue accidental o suicidio. Lo cierto es que Nick pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, llegando a ser hospitalizado.
Si bien Drake no recibió reconocimiento durante su vida por su obra, en la actualidad es considerado un artista de culto, y ha influido a artistas como Badly Drawn Boy, Robert Smith (de The Cure), Peter Buck (de R.E.M.), Kate Bush, Paul Weller y The Black Crowes. En 1985 The Dream Academy llegó a las listas británicas y estadounidenses con "Life in a Northern Town", una canción sobre Drake y dedicada a él. La primera biografía sobre su vida fue escrita en 1997 y al año siguiente se editó un documental llamado A Stranger Amongst Us.
Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania, donde residía su familia por motivos laborales de su padre Rodney (1908–1988), quien se había ido a vivir allí a principios de los años 30 para trabajar como ingeniero en la Bombay Burmah Trading Corporation. En 1934, Rodney conoció a Mary Lloyd (1916–1993), llamada Molly por su familia. Rodney le propuso casamiento en 1936, aunque la pareja debió esperar un año hasta que Molly cumpliera 21 años para que la familia le permitiera casarse. En 1950 regresaron a Warwickshire, Inglaterra, para vivir en el condado de Far Leys. Drake tenía una hermana mayor, Gabrielle, que posteriormente se convertiría en una exitosa artista de cine y televisión. Sus dos padres tenían un interés por la música y ambos compusieron piezas. Las grabaciones de Molly que salieron a la luz tras su muerte son consideradas similares en tono y perspectiva a las composiciones de su hijo: ambos tenían una frágil forma de cantar, y tanto Gabrielle como el biógrafo Trevor Dann notaron que en su música había un paralelismo en cuanto a que generaban una sensación de premonición y fatalismo. Animado por Molly, Drake aprendió a tocar piano a una temprana edad, y comenzó a componer sus propias canciones, las cuales grababa en cintas magnéticas.
En 1957 Drake ingresó en la Eagle House School, un internado de Berkshire. Cinco años más tarde ingresó a una escuela privada de Wiltshire llamada Marlborough College, a la que habían concurrido su padre, su abuelo y su bisabuelo. Allí desarrolló un interés por los deportes, llegando a ser por un tiempo el capitán del equipo de rugby de la escuela y logrando un record de 100 yardas de carreras de atletismo que aún sigue sin ser batido. Sus amigos de ese período consideran que si bien era frío en su comportamiento, era seguro de sí mismo y "discretamente autoritario". Según su padre, uno de los reportes del director de la escuela afirmaba que "nadie parecía conocerlo muy bien", y que eso era algo común.
Drake tocaba el piano en la orquesta de la escuela, y aprendió a tocar el clarinete y el saxofón. Entre 1964 y 1965 formó una banda llamada The Perfumed Gardeners junto a otros cuatro amigos del colego. Él tocaba principalmente el piano, aunque en ocasiones aportaba su voz y tocaba el saxofón. El grupo tocaba covers de jazz y de artistas de Pye Records, al igual que canciones de The Yardbirds y Manfred Mann. La alineación del grupo incluyó brevemente a Chris de Burgh, quien debió dejar el grupo al poco tiempo debido a que el resto de los integrantes consideraban sus gustos como "demasiado pop". Mientras tanto, el rendimiento académico de Drake comenzó a deteriorarse, y mientras que había adelantado un año en el Eagle House, en Marlborough dejó de ocuparse de sus estudios para dedicarse más a la música. En 1965 Drake pagó £13 por su primera guitarra acústica, y pronto comenzó a experimentar con diversas técnicas de afinación.
En 1966, Drake consiguió una beca para estudiar literatura inglesa en el Fitzwilliam College de la Universidad de Cambridge, aunque retrasó su ingreso para pasar seis meses en la Universidad de Aix-Marseille de Francia. Durante su estancia en Aix, comenzó a practicar seriamente con la guitarra y además, solia tocar con sus amigos en el centro de la ciudad para ganarse unas propinas. Drake comenzó a fumar cannabis, y en esa primavera viajó a Marruecos junto a sus amigos, ya que según su acompañante Richard Charkin, "ahí era donde se conseguía la mejor hierba". Drake probablemente consumió LSD por primera vez en su estadía en Aix,18 y sus letras de ese período (como la de la canción "Clothes of Sand") sugieren un interés en los alucinógenos.
Tras retornar a Inglaterra, su mudó al piso de su hermana en Hampstead, Londres, antes de ingresar en Cambridge en octubre. Sus tutores lo consideraban un estudiante brillante, pero sin entusiasmo y con poca dedicación al estudio. Según Dann, Drake tenía dificultades para relacionarse tanto con el personal de la universidad como con el resto de compañeros. Cambridge ponía mucho énfasis en sus equipos de rugby y cricket, pero Drake había perdido interés en las actividades deportivas, prefiriendo quedarse en su habitación fumando cannabis, y escuchando y tocando música. En septiembre de 1967 conoció a Robert Kirby, un estudiante de música que posteriormente se encargaría de orquestar los arreglos de cuerda y vientos de los primeros dos álbumes de Drake. Para entonces, Drake había descubierto la escena de música folk inglesa y estadounidense, y habiendo sido influenciado por artistas como Bob Dylan, Josh White y Phil Ochs. Fue entonces cuando comenzó a presentarse en clubes londinenses, y en febrero de 1968, mientras actuaba como soporte de Country Joe & The Fish en Camden Town, causó una buena impresión en Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention, quien no solo fue impresionado por su técnica con la guitarra, sino también por "su imagen. Parecía una estrella".
Hutchings le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien era dueño de la compañía Witchseason Productions, la cual tenía un contrato con Island Records. Boyd fue quien descubrió a Fairport Convention y fue el responsable de introducir a John Martyn y a The Incredible String Band al mainstream, por lo que era una figura importante y respetada en la escena inglesa de folk. Ambos formaron un vínculo inmediatamente, y el productor actuó como mentor de Drake durante su carrera. Boyd le ofreció un contrato trás escuchar una demo casera que Drake grabó en la primavera de 1968. Según Boyd, "a la mitad de la primera canción, sentí que era algo especial", por lo que le propuso la grabación de un álbum. Paul Weller, amigo de Drake, sostuvo en una entrevista de 2004 que recuerda la excitación de Drake, quien había decidido no completar su tercer año en Cambridge.
Drake comenzó a grabar su álbum debut, Five Leaves Left en 1968, con Boyd como productor. Las sesiones se llevaron a cabo en el estudio Sound Techniques de Londres, y Drake no iba a sus clases de la universidad para viajar hacia la capital en tren. Inspirado por la producción del primer álbum de Leonard Cohen, a cargo de John Simon, Boyd quería que la voz de Drake fuese grabada con el mismo estilo cercano e íntimo, "sin reverberaciones de pop brillante". También quería incorporar arreglos de cuerda similares a los de ese álbum, "sin abrumar o sonar cursi". Como soporte Boyd utilizó a varios contactos de la escena de folk rock londinense, incluyendo al guitarrista de Fairport Convention Richard Thompson y al bajista de Pentangle Danny Thompson. También recluto a John Wood como ingeniero y a Richard Hewson para que se encargara de los arreglos de cuerda.
Debido a algunos problemas de post-producción, el lanzamiento del álbum se retrasó varios meses y el álbum no fue lo suficientemente bien comercializado y promocionado cuando salió al mercado. Hubo pocas reseñas en la prensa especializada, las cuales lo trataron con indiferencia. En julio Melody Maker se refirió al mismo como "poético" e "interesante", mientras que en octubre NME escribió que no era lo suficientemente variado como para hacerlo entretenido. El álbum tampoco tuvo buena difusión en la radio, aunque el DJ de la BBC John Peel ocasionalmente pasaba canciones del mismo. Drake estaba decepcionado con la presentación de la funda del álbum, que tenía la lista de temas impresa en un orden incorrecto y reproducía versos que no aparecían en las versiones grabadas en el álbum. Su decepción con el resultado final fue reflejada en una entrevista con su hermana Gabrielle: "era muy reservado. Yo sabía que estaba haciendo un álbum pero no sabía en que etapa de la producción estaba hasta que entró a mi habitación y dijo, 'ahí lo tienes'. ¡Lo tiró en la cama y se fue!"
Drake concluyó sus estudios en Cambridge nueve meses antes de graduarse, y en el otoño de 1969 se mudó a Londres para concentrarse en su carrera como músico, a pesar de que su padre le escribió largas cartas mencionándole las desventajas de abandonar sus estudios en Cambridge. Drake pasó sus primeros meses en la capital inglesa en diversos lugares, quedándose ocasionalmente en el piso de su hermana en Kensington, pero generalmente durmiendo en sofás y en el suelo de las casas de sus amigos. Eventualmente, para que Drake tuviese estabilidad y un número telefónico, Boyd le consiguió un piso en Belsize Park, Camden.
En agosto Drake grabó tres canciones sin acompañamiento para el programa de John Peel en la BBC. Dos meses más tarde abrió un show de Fairport Convention en el Royal Festival Hall de Londres, y posteriormente realizó dos apariciones en vivo en clubes de música folk de Birmingham y Hull. Recordando su presentación en Hull, el cantante de folk Michael Chapman comentó que no fue bien recibido por la audiencia, que "quería canciones con estribillos", y que "él no dijo ni una palabra en toda la noche". Esta experiencia contribuyó a la decisión de Drake de dejar de realizar presentaciones en vivo, y los conciertos que realizó en esa época solían ser breves, embarazosos y con poca concurrencia. Drake rara vez le hablaba a la audiencia, y debido a que algunas de sus canciones eran tocadas con diferentes afinaciones, solía hacer pausas frecuentes para afinar de nuevo su guitarra.
El segundo álbum de Drake se tituló Bryter Layter y se editó en 1970. También producido por Boyd y con Wood como ingeniero, el álbum presentó un sonido más optimista y cercano al jazz. Debido al poco impacto comercial de su debut, Drake se alejó de su sonido pastoral y aceptó la propuesta de su productor de incluir pistas de bajo y batería en las grabaciones. "Era un sonido más pop, supongo", dijo Boyd, "lo imaginé como más comercial". Como su predecesor, el álbum contaba con la contribución de músicos de Fairport Convention, y además contó con la participación de John Cale en dos canciones: "Northern Sky" (en la que tocó celesta, piano y órgano) y "Fly" (en la que aportó partes de clave y viola). Según Trevor Dann, aunque algunas secciones de "Northern Sky" suenan más cercanas al estilo de Cale, fue lo más cercano que tuvo Drake a una canción con potencial en las listas. En su biografía del año 1999, Cale admitió haber usado heroína durante este período, y su amigo Brian Wells comenzó a sospechar que Drake también estaba consumiendo esa droga. A pesar de que tanto Boyd como Wood confiaban en que el álbum sería exitoso comercialmente, el mismo vendió menos de 3000 copias. Las revisiones fueron nuevamente mixtas: mientras que Record Mirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró que los arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbum como "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz".
Poco tiempo después del lanzamiento, Boyd vendió Witchseasons a Island Records, y se mudó a Los Ángeles para trabajar en el desarrollo de bandas sonoras para películas. La pérdida de su mentor y las pocas ventas de su álbum llevaron a Drake nuevamente a un estado de depresión. Su actitud en Londres había cambiado: se sentía poco feliz viviendo en soledad y se lo había visto nervioso e incómodo en sus conciertos de principios de 1970. En junio, Drake dio uno de sus últimos shows en el Ewell Technical College. Ralph McTell, quien también tocó esa noche, recordó que "Nick estaba monosilábico. En ese show en particular estaba muy tímido. Hizo su primer set y algo horrible debe haber pasado. Estaba tocando su canción, "Fruit Tree", y se marchó en medio de la misma." Su frustración se convirtió en depresión, y en 1971 su familia lo convenció de que visitara a un psiquiatra en el St. Thomas's Hospital de Londres, donde le recetaron una serie de antidepresivos, pero se sentía incómodo y avergonzado de tomarlos, y trataba de ocultárselo a sus amigos. Sabía bastante de drogas para preocuparse sobre sus efectos secundarios, y estaba preocupado sobre como reaccionarían al mezclarse con su frecuente consumo de cannabis.
Island Records quería que Drake promocionara a Bryter Layter por medio de entrevistas con los medios, sesiones de radio y apariciones en vivo. Drake, quien según Kirby en en ese entonces estaba consumiendo "increíbles cantidades" de cannabis y mostrando "las primeras señales de psicosis", se negó a hacerlo. Decepcionado por la recepción de su segundo álbum, también comenzó a alejarse de su familia y de sus amigos, y rara vez dejaba su departamento, excepto para dar algún concierto o para comprar drogas. Según su hermana Gabrielle, "él una vez me dijo que todo empezó a ir mal desde ese momento".
Si bien Island no esperaba ni quería un tercer álbum, Drake se acercó a Wood en octubre de 1971 para comenzar a trabajar en lo que sería su último álbum. Las sesiones solo contaron con la presencia de Drake y de su ingeniero en el estudio, y la grabación se produjo en dos noches. Las sombrías canciones de Pink Moon son cortas y el álbum, formado por once canciones, solo dura 28 minutos, una duración "adecuada" según Wood. Drake no se había mostrado satisfecho con el sonido de su trabajo anterior, ya que pensaba que los arreglos de cuerdas, vientos y saxofón lo hacían sonar "muy lleno, muy elaborado". Drake no tiene acompañamiento en Pink Moon, excepto por un piano en la pista titular. Según Wood, Drake estaba decidido a hacer un álbum muy austero y minimalista: "definitivamente quería que fuera él sobre todo. Y creo que, en algunos aspectos, Pink Moon se parece más a Nick que los otros dos álbumes". Según Richie Unterberger, Pink Moon es "una de las declaraciones más sombrías en todo el rock".
Cuando se completó el álbum, Drake llevó la cinta máster del mismo a la recepción del edifició de Island Records, la dejó sobre el escritorio de un recepcionista y se fue sin decir una palabra. Las cintas quedaron allí todo el fin de semana, hasta que fueron halladas la semana siguiente. Pink Moon vendió aún menos copias que sus predecesores, aunque recibió reseñas favorables. En la revista Zigzag, Connor McKnight escribió que "Nick Drake es un artista que nunca finge. Este álbum no le da concesiones a la teoría de que la música debe ser escapista. Es simplemente la forma de ver la vida de un músico en ese momento, y no puedes pedir más que eso."
El fundador de Island Records Chris Blackwell sintió que Pink Moon tenía el potencial de llevar a Drake a una audiencia masiva; sin embargo, su staff estaba decepcionado por la reticencia de Drake a la hora de participar en actividades promocionales. Sin embargo, Boyd insistió para que Drake aceptara ser entrevistado por Jerry Gilbert de la revista Sounds, la cual fue la única entrevista con Drake que se publicó. En ella, el "tímido e introvertido cantante de folk" habló de su disgusto por tocar en vivo y de no mucho más: "no había conexión alguna", según Gilbert. "No creo que haya hecho contacto visual conmigo ni una sola vez". Desanimado y convencido de que nunca podría volver a escribir canciones de nuevo, Drake decidió retirarse del mundo de la música, y consideró diversas carreras, incluyendo la posibilidad de incorporarse al ejército.
En los meses posteriores al lanzamiento de Pink Moon, Drake se volvió cada vez más distante de sus conocidos, y regresó a casa de sus padres, en Far Leys. A pesar de que no quería hacerlo, sentía que era necesario debido a sus problemas. Su retorno le causó dificultades a su familia: según su hermana Gabrielle, "los días buenos en la casa de mis padres eran días buenos para Nick, y los días malos eran días malos para Nick. Allí su único fuente de ingresos eran 20 libras a la semana que recibía de Island Records, y su situación económica llegó a tal punto de que no podía comprarse zapatos nuevos. En ocasiones desaparecía por varios días, apareciendo sin aviso en la casa de sus amigos, retraído y reservado. Robert Kirby describió una visita típica: "llegaba y no hablaba, se sentaba, escuchaba música, fumaba, bebía algo, dormía ahí a la noche y dos o tres días después no estaba ahí, se había ido. Y tres meses después volvía."
Refiriéndose a este período, John Martyn (quien en 1973 escribió la canción que da título a su álbum Solid Air para y sobre Drake) lo describió como la persona más reservada que había conocido. A veces se llevaba el auto de su madre y conducía durante horas sin rumbo, hasta que se quedaba sin combustible y se veía obligado a llamar a sus padres para que lo fueran a buscar. Según sus amigos, su apariencia cambió durante este período, y en ocasiones se negaba a lavarse el pelo o a cortarse las uñas. A principios de 1972 sufrió una crisis nerviosa y fue hospitalizado por cinco semanas.
En febrero de 1974 Drake volvió a contactar con John Wood para decirle que estaba listo para comenzar a trabajar en un cuarto álbum. Boyd estaba en Inglaterra en ese momento y aceptó ir a las grabaciones. Esta sesión inicial fue seguida por otras en julio. En su autobiografía de 2006, el productor recuerda su sorpresa al ver la ira y amargura de Drake: "[Él decía que] yo le había dicho que él era un genio, y otros estaban de acuerdo. ¿Por qué no era famoso y rico? Esta cólera debe haber estado fermentando bajo este exterior inexpresivo durante años." Tanto Boyd como Wood notaron un deteriorio perceptible en la capacidad de interpretación de Drake. Según Boyd "era escalofriante. Era realmente aterrador. Estaba tan... estaba en tal mal estado que no podía cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo." Sin embargo, el regreso al estudio de Sound Techniques le levantó la moral a Drake; su madre comentaría años después que: "estábamos absolutamente encantados pensando que Nick estaba feliz, porque no había habido felicidad en la vida de Nick durante años".
En el otoño de 1974 Drake dejó de recibir dinero de Island, y seguía alejado de sus amigos debido a los problemas que le causaba la depresión. En esta época intentó mantenerse en contacto con Sophia Ryde, a quien había conocido en Londres durante 1968. Ryde ha sido descrita por los biografos de Drake como lo "más cercano" a una novia que tuvo Drake, aunque ella prefiere ser considerada su mejor amiga. En una entrevista del año 2005, Ryde reveló que una semana antes de la muerte de Drake, ella había intentado cortar la relación: "No pude sobrellevarlo. Le pedí algo de tiempo. Y nunca lo volví a ver". Al igual que con la relación que Drake tuvo previamente con otra artista de folk, Linda Thompson, su relación con Ryde nunca se consumó. En octubre de 1974 Drake viajó a Francia para contactar a la cantante y actriz Françoise Hardy, quien en una ocasión consideró la posibilidad de grabar un álbum con sus canciones.
En las primeras horas del 25 de noviembre de 1974, Nick Drake falleció en la casa de sus padres en Far Leys por una sobredosis de amitriptilina, un tipo de antidepresivo. La noche anterior había ido a dormir temprano, tras pasar la tarde de visita con un amigo. Cerca del amanecer dejó su habitación para ir a la cocina. Su familia estaba acostumbrada a oírle hacer eso, pues solía hacerlo con frecuencia, pero en esta ocasión no emitió ningún sonido. Pensaron que estaba tomándose un tazón de cereales. Poco después volvió a su habitación y tomó algunas pastillas "para ayudarle a dormir". Drake solía sufrir insomnio y frecuentemente se quedaba despierto toda la noche tocando y escuchando música, antes de dormir hasta la mañana siguiente. Recordando los eventos de esa noche, su madre posteriormente afirmó: "No solía molestarlo en absoluto. Pero eran las doce en punto, y entré, porque realmente parecía que era la hora de que se levantara." Así fue como lo encontró muerto. No había ninguna nota de suicidio, aunque cerca de su cama se encontró una carta para Ryde.
En la investigación que tuvo lugar durante el mes siguiente, el juez de instrucción afirmó que la causa de la muerte fue un envenenamiento agudo causado por su antidepresivo, y concluyó que había sido un suicidio. Sin embargo, algunos integrantes de la familia de Drake discrepan. Rodney describió la muerte de su hijo como inesperada y extraordinaria; sin embargo, en una entrevista de 1979 admitió que siempre estaba preocupado por su hijo debido a su depresión: "Solíamos esconder aspirinas y pastillas y esas cosas." Boyd ha afirmado que prefiere pensar que la sobredosis fue accidental, y ha mencionado que según sus padres su estado de ánimo en las semanas previas era muy positivo, y que había planeado mudarse nuevamente a Londres para recomenzar su carrera musical. Boyd piensa que este período de ligereza pudo haber sido acompañado posteriormente por una nueva "caída en la desesperación", y que es posible que Drake haya tomado una alta dosis de sus antidepresivos intentando recuperar esa sensación de optimismo. Por eso prefiere imaginar a Drake "haciendo una arremetida por la vida en lugar de una rendición calculada a la muerte". En 1975 el periodista de NME Nick Kent comentó la ironía de que Drake haya muerto en un momento en que comenzaba a retomar un sentido de "balance personal". Por su parte, Gabrielle Drake ha afirmado que prefiere pensar que Drake se suicidó, "en el sentido de que prefiero que haya muerto porque quería a que haya sido el resultado de un error trágico. Eso me parecería terrible..."
El 2 de diciembre de 1974, tras una ceremonia en la Iglesia de Santa María Magdalena de Tanworth-in-Arden, Drake fue incinerado en el Crematorio de Solihull y sus cenizas fueron enterradas posteriormente bajo un roble en el cementerio contiguo a esa iglesia. Aproximadamente 50 personas concurrieron al funeral, incluyendo amigos de Marlborough, Aix, Cambridge, Londres, Witchseason y Tanworth. En referencia a la tendencia de Drake a mantener a sus conocidos separados entre sí, Brian Wells comentó posteriormente que muchos se conocieron por primera vez esa mañana. Según Molly "muchos de sus jóvenes amigos vinieron. A muchos de ellos no los conocíamos."
Discografía:
Álbumes de estudio:
Five Leaves Left (1969).
Bryter Layter (1970).
Pink Moon (1972).
Recopilaciones:
Time of no reply (1986).
Fruit Tree (1986).
Heaven in a Wild Flower: An Exploration of Nick Drake (1986).
Way to Blue: An Introduction to Nick Drake (1994).
Jim Morrison no sólo fue uno de los mejores cantantes de la historia del rock; en algún momento fue la personificación misma del género, y una de las personas más influyentes en la Historia Moderna.
Hoy, 3 de julio, se conmemoran 40 años de su muerte.
Video de The Doors interpretando la canción The End, en vivo (www.youtube.com).
Bio:
James Douglas "Jim" Morrison Clarke (Melbourne, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1943 – París, Francia, 3 de julio de 1971), fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodélico The Doors.
James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera de su padre y vivir en diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.
El joven James se marchó de su hogar a los diecinueve años. Era un muchacho alto y siempre desharrapado, podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End como soundtrack de introducción para Apocalypse Now, su película ambientada en la guerra de Vietnam. Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues había perdido todo interés por la carrera y por la industria cinematográfica.
Decidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitando complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimientos para Jim. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (según se dice, su favorita), cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. Sin embargo, nunca se llegó a identificar con ella e incluso la desdeñaba en buena medida debido a su nihilismo. Su visión del mundo estaba muy alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología.
Se dice que tenía el elevado coeficiente intelectual de 149. Aunque no está comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días, es cierto que leía textos complejos para la mayoría, incluidas las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató a sus biógrafos que solía acudir a la Biblioteca del Congreso para comprobar si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban largamente con Jim sobre libros de este tipo. Según declaraciones de algunos, "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".
En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando The Doors, Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Jim.
El nombre que escogieron procede del título del ensayo Las puertas de la percepción de Aldous Huxley sobre la mescalina inspirado a su vez en la cita de William Blake "Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito" ("If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite").
Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada The End. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, Jim tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End, tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no sólo de la leyenda de The Doors sino de la cultura rockera en general. Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia Edipo rey, el personaje de Sófocles que, por azar cruel del destino, termina matando a su padre y desposando a su madre.
Claro que en la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y les echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.
En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire, escrito íntegramente por Robbie Krieger, que la banda se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, durante el famoso verano del amor de 1967.
Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Jim Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció ni vio en concierto pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido en la discográfica SUN, como Mystery Train, que interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría pánico escénico. En los primeros conciertos incluso cantaba dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (trastorno límite de la personalidad) o BDP (Borderline Disorder of Personality), que le impulsaba a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo dada su estrecha relación con el peyote. Incluso escribió un tratado sobre drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamánico, y que, al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que, si ves a un indio morir, su espíritu se encarna en ti.
Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, fue llevado a juicio a raíz de una actuación en la que algunos asistentes afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación, entre otras cosas (aunque no hubo pruebas fehacientes). En 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.
Es importante hacer notar que Jim Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas como The Beatles o The Rolling Stones.
Con su nombre completo, James Douglas Morrison Clarke, ya había publicado dos pequeños libros de poemas The Lords (Los Señores) y The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), así como el opúsculo An American Prayer (Una oración americana) y Ode to L.A. (Oda a Los Ángeles), poema repartido entre los seguidores del grupo en un concierto a raíz de la muerte de Brian Jones, guitarrista de los Stones, ahogado en una piscina a causa de una sobredosis. Estos libros pueden leerse como filosofía y, por momentos, también como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales.
El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, incluyendo la idea de un suicidio y de un asesinato). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise, el famoso cementerio donde fue enterrado, aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo sin que la administración lo sepa.
Es indudable que había sido consumidor habitual de varios tipos de drogas (LSD, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas sustancias psicoactivas. Sin embargo, no es probable que consumiera heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas. De hecho, cuando sorprendió a su novia Pamela inyectándose, fue en busca del proveedor, conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína también era droga de su predilección por su efecto "acelerador". No obstante, sobre todo utilizó las drogas propuestas por la comunidad hippie para alcanzar estados de equilibrio y paz, además de alcohol en abundancia.
Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos rockeros como Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin o Kurt Cobain. Su epitafio está escrito en griego antiguo ("Kata ton daimona eaytoy") y se puede traducir como "Fiel a su propio espíritu".
A mi juicio, el mejor álbum de la historia del rock.
Un trabajo impecable en el que de forma conceptual se nos presentan cuestiones como la alienación, la locura, la desesperación y la resignación como efectos de una sociedad decidida y dedicada a inhibir cualquier vestigio de individualidad.
Vídeo de las canciones In The Flesh, Run Like Hell y Waiting for the Worms, tomados de versión cinematográfica del álbum (www.youtube.com).
Sobre el álbum:
The Wall es un álbum de estudio y el undécimo de la banda británica de rock progresivo y espacial Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Fue lanzado el 30 de noviembre del mismo año en el Reino Unido y el 8 de diciembre en los Estados Unidos.
Este disco doble es un álbum conceptual que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", basado en su mayoría en las vivencias del antiguo líder de la banda Syd Barret, convirtiéndolo así en una especie de álter ego antihéroe. Descrito por Roger Waters, Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Es señalada por la crítica musical y seguidores del grupo como "uno de los mejores trabajos de la banda" y "uno de los mejores en la historia del rock", cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial mundial acreditándose discos de platino en más de veintitrés ocasiones, situándolo como el disco más vendido en los años 70s y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos.
La idea le surgió a Roger Waters cuando en un concierto de la gira de Animals en Montreal, (denominada Pink Floyd-In The Flesh), el comportamiento agresivo de un fan de primera fila condujo a Waters a escupirle en la cara. Inmediatamente disgustado consigo mismo y con lo que llegaban a ser algunos megaconciertos, Waters comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia, lo que llevó posteriormente a la concepción del álbum. Hay que comprender que Pink Floyd siempre abordaba sus espectáculos para que lo principal fuera lo visual y lo sonoro, dejando normalmente al grupo en un segundo plano en la penumbra del escenario. Así, sobre todo, Waters sentía rechazo por la alienación que percibía entre los fans con los grandes grupos y superestrellas del rock, (de hecho, en su carrera posterior en solitario solía rehuir los grandes espacios) y esta semilla está en la concepción de The Wall y forma parte expresa de la historia en los temas “In The Flesh” y “Young Lust”. A esta idea se le añadieron otros "ladrillos" como la guerra, la sobreprotección materna, el fracaso sentimental, la violencia policial, la educación infantil o la locura (Syd Barrett -fundador del grupo- dejó el grupo por ella), llegando a construir el esqueleto conceptual del muro (The Wall). Por consiguiente, el concepto y la mayoría de temas del álbum son obra de Roger Waters.
La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another Brick in The Wall Parte 1 y 3) en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la educación británica (Another Brick In The Wall Parte 2), los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink” (The Trial), que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.
Después de que Roger Waters abandonara Pink Floyd en 1985, se entabló con David Gilmour y Nick Mason una disputa legal acerca de los derechos sobre la marca “Pink Floyd” y todo su material producido hasta la fecha, y que terminó dando a Gilmour y Mason los derechos sobre la marca y la mayoría de la obra, pero que dejó a Waters los derechos sobre The Wall y el resto de sus composiciones para Pink Floyd.
La versión de cine de The Wall se filmó en 1982 por la Metro-Goldwyn-Mayer bajo el título de Pink Floyd The Wall, con Alan Parker como director y Bob Geldof (el líder de los Boomtown Rats) como "Pink". También participaron en escenas Bob Hoskins y la joven Joanne Whalley. La película sigue de cerca la estructura musical del álbum, con algunas pocas modificaciones, pero cuenta con una intriga específica y narrativa. Las escenas de animación, a cargo de Gerald Scarfe, son un elemento asimismo clave de la obra.
